《艺术的故事》2024年秋季读书小组 第二轮 （文史书院）
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第五次 读书交流
阅读范围：第20章 自然的镜子 荷兰，17世纪
预习作业：
Q1：在荷兰，画专门化题材的画家为什么会出现？你觉得画家们面临的局面和之前几章中呈现的有什么区别？
A1：在本文已经上篇就有提到，因为新教的诞生许多艺术家都失去了工作，因此艺术家们开始把绘画的重点放在生活和某个专一领域上，而不仅仅是关于基督，这就是为了生存而出现的专门化题材画家。
前几章中画家遇到的问题 普遍都还在绘画主题固定的前提，艺术家们奋力去创新崭新的画法与技艺，思考如何超越前代人的著作。而这一章中艺术家们面临的就是创造题材的选择了，文章中有写到“一个风格投其所好的艺术家就能指望得到稳定的收入，可是一旦他的风格不再时髦，就可能面临破产。”艺术家们为了生存不得不去思考自己所创造的题材是否迎合大众，而这一点因为以前的题材限制是没有的，我觉得这就是比以前更超越的一个改变。Q2：看完本章，你对“风景如画”这个词是否有新的认识和理解？请结合一副具体的作品谈一谈你的看法？（请标注清晰作品名+序号，尽量不要和其他同学重复）
A2：图272《河畔风车》
虽然预习题中有提到尽量不要和其他同学重复，但这幅画在文中就提到了“如画”，让我觉得它或许是最靠近这次所要讨论的中心。
文中原句写道“一片风景或一片庭园能使他们想起克劳德的话，他们就说它‘如画’[picturesque]，即想一幅画。”“风景如画”一般形容这则风景非常美丽，让人觉得它是画出来的，我觉得“画出来的”这一点或许与人们普遍觉得“画是好看的”有密切关系。而图272的画第一眼就让人觉得很平凡日常，迷雾的白天人们在耕种，虽然很美好但我觉得却没有达到“美丽”的感觉，这又与现今人们理解“风景如画”有着相反的理解。
经过我的思考我觉得“风景如画”或许古今意是相互可逆但，古义或许为画的风景很日常让人觉得这个画就是一个风景，而今义是因为这个风景很好看所以才觉得它是画出来的。两者意思里的“画”与“风景”相互替换才形成了真正的“风景如画”，是即说景又说画的（读完这章我对这个词的思考，感觉并不准确…）
还有一点，“如画”的英文是picturesque，这个“que”或者说“sque”又表达着什么意思呢… -
第五次 读书交流 阅读范围：第20章 自然的镜子 荷兰，17世纪
阅读作业： 1、在荷兰，画专门化题材的画家为什么会出现？你觉得画家们面临的局面和之前几章中呈现的有什么区别？
因为当一个画家的一门才能被发现的时候，他继续画这个门类才能得到更好的收益（画家们摆脱了赞助人）。他们的创作目的从美和思想逐渐转变为生活和美，这样的美不是私人的而更加公众。 2、看完本章，你对“风景如画”这个词是否有新的认识和理解？请结合一副具体的作品谈一谈你的看法？（请标注清晰作品名+序号，尽量不要和其他同学重复）
与其说是风景和画很相像，不如说是风景所表达的或者是让你感受到的共情了和画相似的感受。比如说 林木环绕的池塘 279 表现了如书中所说的诗意，本身有一种自然的协调。 -
1、在荷兰，画专门化题材的画家为什么会出现？你觉得画家们面临的局面和之前几章中呈现的有什么区别？
主要是因为，在荷兰，宗教改革使得新教成为了主导的思想文化，使得之前依靠宗教绘画而成的画家与宗教委托人的经营方式消亡。但在荷兰，却又不像在英国等地，画家不再引起本地人的兴趣，不只有以肖像画讨取政府喜爱一条路，有着广大的市场，所以出现了区别于前几章的局面，画家以门类画来从市场维持生计，而门类的数量又是十分丰富。2、看完本章，你对“风景如画”这个词是否有新的认识和理解？请结合一副具体的作品谈一谈你的看法？（请标注清晰作品名+序号，尽量不要和其他同学重复）
风景如画，不一定是风景本身怎么样，而是在我们看风景的时候，联想到、运用了某幅画上的视角，那些画为了展现自然与美所刻意运用的布局方式。比如图271《微风中的荷兰战士和各种船只》，其景色本身就是普通的一个海面上的风景，但其运用了色彩、阴影、光线，将这个场景，比如海上的波浪，表现得十分有自然感与起伏的美感。
又如图280对餐桌的静物绘画，虽然并不是风景画，但其运用绘画手法将普通事物表现出美感，与所谓的“风景如画”又有着异曲同工之处。 -
第五次 讨论反馈：
就结合于这一个月的讨论，我的阅读侧重点比较围绕于艺术这一板块经过文艺复兴时期“自由”的转变。在上一次讨论时我定下了初步的猜想；虽说新教的诞生使艺术家们创造的题材有了开放性，可以不局限于宗教，但为了市场艺术家们还是会找到自己的创造落脚点，让自己能生存在这个社会上，这一点从而会让艺术家们限制住自己根本的“创作自由”，进入新的不自由。
而这一次讨论使我加深了我的这一猜想。艺术家们为了生存而定义的专门向 比只能为宗教所创艺术的局限性更加限制自由。我的意思主要为 因为艺术家们需生存，所以他们创作出来的艺术就得迎合大众的审美，艺术被标上了价钱的定义。而这一局限会使艺术家们思索如何创作出超越前人的杰作，并且这一杰作还能符合大众的审美。可理想是很艰难的，许多艺术家绞尽脑汁创新超越出来的东西 大众都理解不了，就此，艺术就越来越抽象，越来越陷入僵局。
还有一点，无论为宗教服务的艺术还是为市场服务的艺术，要想让别人理解的艺术都是有服务性的，而服务性就代表着需要迎合被服务者，也就是社会、大众。不过，艺术确实是可以随心所欲，但是，艺术家想要不受限制的存活下来几乎是不可能，并且因人而异，想要创作出几乎人类都赏心悦目的艺术，也是几乎不可能的…… -
艺术的故事第五轮反馈
说到艺术的价值逐渐以金钱来衡量，其实现代有很多可笑的事实。比如白纸上画了一个点，拍卖到了1亿人民币；一个烂香蕉被贴在画布上，在苏富比拍卖会上炒到高价……“艺术”逐渐和“拜金”联系在一起。但我认为，虽然17世纪艺术开始和金钱挂钩，但至少那时的化作还有卖钱的价值，艺术家们至少是在认真创作，渴望得到认可；而拍出高价也是对他们画作的肯定与欣赏。就像有人说莫扎特是拜金主义者，但他至少是真的音乐神童、至少能在寒冷与饥饿中坚持创作出《安魂曲》。而现在的艺术和拍卖逐渐抽象化——是真的抽象，而不是毕加索的那种艺术性的抽象。这也是为什么现代西方很少出现有名的艺术家的原因。这是否是现代“艺术的危机”呢？这种危机相比以前将会更加严重、更加持久，只要世界上还有利益存在。
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当艺术被迫融入进了市场，之前所说的艺术的危机也就不断地持续着，艺术也就不再如“并不那么黑暗”的中世纪那样基本停滞不前了，我们所不熟知的那种“以传承、模仿”为主流的中世纪艺术也就被不断地创新与新意彻底地取代了。
在一开始读这本书的时候，我并不清楚为什么说“没有艺术，只有艺术家”，但也没太多想。纵观艺术的发展，或许可以说是从艺术逐渐迈向艺术家的过程，从一开始古典时期的希腊罗马，到中世纪，都是主要以艺术而非艺术家为核心的历史，虽然艺术首先还是由某个艺术家开创的，但大多艺术家似乎是与工匠差别不大，只有少数艺术家会开拓创新。乔托以后，艺术家逐渐开始占据了历史的地位，单纯而相似的艺术，比如以希腊艺术作为一个时代的标志，已经不复返了。艺术家本身渴望证明自己的价值，加上市场的逐渐形成，造成了这种演变的诞生。像巴洛克风格，实质就并非是十分统一的。而艺术的流派也不再如之前是以希腊等时间作为命名，而是以艺术家来命名，比如印象派源于莫奈的日出印象画展，巴洛克源于画家们开始为打破危机所作出的创新与反常规，而非有那么一个历史时期，叫做“印象时期”，“巴洛克时期”。艺术成为了艺术家的艺术。 -
